My Blog Cliche's 50 Albums of 2015

Pues sí, aquí estoy una vez más, en esa época del año en donde medio mundo decide hacer una lista para compartir los discos que estuvieron escuchando en el año. Aunque todos tenemos una opinión, eso no nos hace los más conocedores o los más sabios de la vida, ya que constantemente todo comienza a tomar giros inesperados que eventualmente nos dejan muy mal parados. Como sea, por quinto año consecutivo les vengo a compartir una lista con la que no pretendo complacer a alguien en especial o quedar bien con una u otra persona. Al final, estos son los discos que se posicionaron en un lugar muy importante dentro de mí ser por haber formado parte de un momento especial a lo largo de los últimos 12 meses gracias a su indudable calidad y su capacidad de volarme la mema desde el primer instante. En el pasado los discos del año para My Blog Cliché fueron Arcade Fire (2010), Chelsea Wolfe (2011), Chromatics (2012), Tropic Of Cancer (2013) y Swans (2014), así que sin hacer más larga esta introducción que solo sirve de relleno, los invito a que chequen el mejor disco de 2015 para su servidor a través de este recorrido de 50.

50. Lebanon Hanover - Besides The Abyss (Fabrika Records): La verdad nunca en mi vida pensé que fuera a incluir un disco de Lebanon Hanover dentro de mis listados de fin de año, pero al final la dupla logró llevar sus clichés goth a unos terrenos mucho más establecidos con los que, muy a su modo, dejaron de ser una sunple y atractiva caricatura de sí mismos. Además "Besides The Abyss" tiene la virtud de que deja al descubierto un potencial sonoro que nunca antes hubiera pensado que podría emanar de su corazón, comenzando por su capacidad para componer una canción con tintes acústicos como "Broken Characters" o los exquisitos arreglos de saxofón que aparecen en "The Moor", los cuales reviven la magia y el romance de un género que generación tras generación continúa fortaleciéndose sin temor a nada.



49. Braids - Deep In The Iris (Arbutus Records): Justo cuando estaba pensando que ya no estaría pasando nada relevante con el trío, a Raphaelle Standell se le ocurrío sacar todo el coraje que se fue acumulando en su interior con toeo el sexismo y la manera en la que se sigue viendo a las mujeres en todo tipo de expresión artística, comenzando por la música. Las letras de las canciones tienen un enfoque bastante romántico del lado podrido de nuestra sociedad, pero conforme se va desarrollando el álbum va adquiriendo unas formas mucho más confrontadoras con las que claramente reparten patadas en la entrepierna al por mayor. Ahí está "Miniskirt", con un mensaje bastante fuerte pero contundente sobre cómo comienzan a generarse ideas estúpidas en la mente de los hombres tras ver a una mujer con un atuendo 'provocativo'. En "Deep In The Iris" no existe ningún tipo de pretensión y eso es lo que hace aún más especial.



48. Nite Fields - Despersonalisation (Felte): Estos australianos tuvieron la virtud de que contaron con la ayuda de Juan Mendez (a.k.a Silent Servant) en la concepción del arte del disco, lo cual me parece que es super notorio si nos basamos en la estética visual que ha implementado en su imprenta, Jealous God. Sin embargo, musicalmente Nite Fields llevan en la sangre esa esencia de ensueño que en los 80 se fue adhiriendo a la piel de cietas bandas que nacieron en medio del furor del post-punk como The Church y The Ocean Blue, las cuales de algún modo fueron recorriendo la vena más accesible y digerible del género. En "Despersonalisation", no existe un simple copy/paste de lo mencionado, sino más bien son canciones con un perfil bastante discreto que van retratando sueños sobre relaciones obsesivas y la confusión que existe entre el deseo y el enamoramiento.



47. King Dude – Songs of Flesh & Blood – In The Key of Light (Not Just Religious Music): Honestamente estaba un poco asustado cuando ví que esté tipo tenía planeado lanzar un nuevo álbum, ya que en cada uno de ellos se ha ido alejando un poco del misticismo con el que debutó para inyectarle un estilo más rasposo y vibrante a su sonido. Por fortuna, en esta producción hay un equilibrio entre el antes y el después en la vida de King Dude, ya que así como existen arreglos bastante potentes en las guitarras eléctricas y la batería, su tonalidad vocal volvió a someterse ante los deseos diábolicos que entablaban directamente con nosotros una conversación de amor en su álbum debut. Y no es para menos, este año King Dude fue nombrado oficialmente como el embajador de la Greater Church of Satan. Teniendo eso en cuenta, los pasajes rockabilly y de neo-folk que existen en esta producción embonan sin complicación alguna con sus pasionales relatos sobre el diablo.



46. The Harrow - Silhouettes (aufnahme + wiedergabe): Ser goth puede implicar la carga de ciertos clichés existenciales que tienden a ser una verdadera piedrita en el zapato. Para The Harrow eso parece no ser algo realmente importante, ya que después de haberse tomado casi dos pinches años en terminar de grabar "Silhouettes", el resultado final de su arduo trabajo de grabación en el estudio no es más que una delicia auditiva. Por momentos existen canciones con una tendencia mucho más bailables como "Feral Haze", mientras que en "Kaleidoscope" y "Love Like Shadows" tenemos acceso a unas de las mejores composiciones goth de nuestros días. La banda no contará con una batería como tal en las grabaciones, pero aún con la sintétizada percusión logran hacer que su debut sea lo suficientemente consistente para estar dentro de este listado.



45. Christina Vantzou - Nº 3 (Kranky): Este es uno de esos discos que no puede ser tratado como un disco cualquiera. No es fácil y hasta cierto punto resulta un tanto aterrador. Esto no se los digo porque sea un álbum compuesto a base de elementos orquestales o de escapes sonoros que van creciendo en un en torno completamente congelado, más bien es un disco que impone por la complejidad que existe dentro de su propio universo. Al escucharlo es inevitable no cuestionarse cosas sobre nuestra razón de ser; de lo que es real o de lo que es solo una maldita mentira. Christina Vantzou es experta en crear magnificas composiciones ambientales que dejan al desnudo la fragilidad de los seres humanos y en "Nº 3" no decepciona en lo absoluto. Eso sí, nunca traten de escucharlo cuando tienen un montón de distracciones a su alrededor, es una obra hecha estrictamente para sentirse.



44. Uniform - Perfect World (ALTER Stock): Cuando comencé a clavarme un poco en este soundtrack de asesinos seriales de Ben Greenberg me dio la impresión de que finalmente encontró su zona de confort y que con ello ahora estamos recibiendo lo mejor de este tipo después de haber estado encontrándose con varios conflictos internos durante su paso por The Men."Perfect World" es un ensamble sonoro bastante cerdo que reúne lo mejor del noise, el synth-punk y el industrial, esto gracias a que en su alineación también cuenta con Michael Berdan de York Factory Complaint. Las canciones al inicio parecen ser un poco lentas, pero los riffs y la máquina de percusión que se hace presente justo por detrás de las vocales, son suficientes para sumergirnos en una sofocante tensión que se asemeja a la de encontrarse en el mismísimo infierno.



43. Blanck Mass - Dumb Flesh (Sacred Bones): No voy a mentir, realmente esperaba que este año apareciera un nuevo álbum de Fuck Buttons, pero al final Benjamin optó por revivir su álter ego conocido como Blanck Mass para recetarnos un buen bonche de sonidos que fueron apareciendo a lo largo de distintas etapas en el año. La primera de ellas se manifestaron en su remix para John Carpenter, el cual hizo que se ganará un muy buen lugar en las filas de Sacred Bones Records para editar este denso, ruidoso y sumamente bailable álbum titulado "Dumb Flesh". Es natural que en las canciones puedan existir algunas referencias hacía el mundo de Fuck Buttons, pero en general cada una de ellas cuenta con un perfil imperial con el que se da el lujo de exponer sus dotes cinematográficos como en "Double Cross". Digo, no por algo al final Benjamin se dio el lujo de recrear el soundtrack del giallo, "The Strange Colour Of Your Body's Tears".



42. Alessandro Cortini - Risveglio (Hospital Productions): Verán, no pasa nada si solo tienen perfectamente ubicado su nombre solo por ser un frecuente colaborador de Trent Reznor o por aparecer en algunas giras de Nine Inch Nails. Está bien, se lo merece y la verdad es que hace una labor impecable cuando está con ellos. Sin embargo, es muuuuy importante que también se claven en el trabajo que hace por su propia cuenta cuando se encuentra produciendo experimentos análogos para Hospital Productions. Este es el caso de "Risveglio"; un álbum que bien pudo haber sido concebido en el interior de una máquina espacial mientras dos extraterrestres sometían a varias personas en un maniático experimento mental. En este material hay puro sadismo espacial, pero tratado con mucha cautela y elegancia.



41. Father Murphy - Croce (Flenser Records): Mch, a veces es mejor no tener algún tipo de expectativa sobre un disco, ya que al final uno termina llevándose sorpresas bastante gratas. "Croce" llegó a mis manos de la nada e incluso no estaba esperando que pasará por mis oídos un nuevo álbum de Father Murphy, pero al final me dejaron completamente sorprendido por las camaleónicas formas que van tomando los apocalípticos arreglos de las canciones, comenzando por "Blood Is Thicker Than Water", la cual nos recibe con un juego vocal que sin problemas pudo haber aparecido en el "pom pom" de Ariel Pink, solo que la estructura general de la canción porta con una densidad y unos elementos industriales que terminan por oscurecer todo su entorno. Incluso me atrevería a decir que en algunos momentos existe una peculiar devastación que se asemeja a la de "You People Make Me Sick" de Swans, lo cual es algo estúpidamente bueno.



40. Carter Tutti Void - F (x) (Industrial Records): Luego de todo el drama que se generó con el nombre de Throbbing Gristle a raíz del disco de X-TG (principalmente porque Genesis P-Orridge nunca estuvo de acuerdo con eso), resulta muy agradable la idea de tener una mutación sonora de Chris Carter y Cosey Fanni Tutti con una de las personas que tienen toda la influencia de su escuela en las venas: Nik Void de Factory Floor. Si bien su debut como Carter Tutti Void fue extraído de una sesión en vivo que ofrecieron con piezas armadas con puras improvizaciones para el festival de Mute en el Reino Unido, en "F (x)" por fin presentaron una colección de canciones mucho más elaboradas con las que Chris y Cosey continúan ejerciendo su dominio industrial en compañía de una de las mentes más emocionantes y visionarias de la actualidad, cosa que termina dando como resultado un techno bastante acidozo.



39. Godspeed You! Black Emperor - Asunder, Sweet And Other Distress (Constellation Records): Aunque era obvio que Godspeed lanzaría un nuevo álbum después de haber debutado algunas canciones en el único show que dieron el año pasado, no esperaba que el resultado final de sus sesiones de grabación estuviera más inclinado hacía los puentes instrumentales dominados por drones y loops con una tendencia más ambiental. No los voy a engañar, a la primera escuchada no me sentí tan seguro sobre su contenido, pero conforme le fui dando más y más escuchadas, terminé agarrándole un cariño muy particular al disco debido a que la banda se sigue manteniendo fiel a sus ideales políticos y sociales que, en definitiva, son los únicos pilares que los siguen manteniendo juntos desde su reunión a inicios de esta década. Además, es un muy buen preámbulo para las cosas que ya se están cocinando en su estudio para el próximo año.



38. Helm - Olympic Mess (PAN): Es muy complicado tener uno de sus discos en las manos y verlo como si se tratara una escultura de arte que tiene la capacidad de sacarle brillo a nuestros ojos. La manera en la que compone sus canciones es un tanto atípica comparada con la de otros productores, ya que incluso existen líneamientos muy apegados a las matemáticas dentro de sus canciones y en el arte de los discos, sin importar que eso no sea algo que se note de forma tan directa. Hablando muy en específico de "Olympic Mess", Helm se enfocó en crear un balance entre el noise y la densidad de sus previas grabaciones para no clavarse tanto en el techno y las secuencias bailables que ya logró dominar. De algún modo sus prioridades cambiaron para demostrar que la experimentación y la nula existencia de secciones rítmicas también son capaces de provocar un suspiro.



37. Chain Of Flowers - Chain Of Flowers (ALTER Stock): Cuando escuché "Crisis" estaba un poco mojado de mis bragas. La guitarra era rápida, con acordes chillantes y con cambios de rítmo que hacían que las vocales se oscurecieran un poco para traerme a la mente bandas sumamente respetables del ámbito del death-rock. Chain Of Flowers no es death-rock como tal, pero su debut homónimo cuenta con el volumen necesario para posicionarse dentro de esa rama, sin mencionar que en las letras existen confesiones amorosas que bien podrían adaptarse a alguna de sus experiencias personales. Sé que muchas personas que suelen estar un poco aisladas de lo que realmente sucede en la música piensan que ya no hay bandas haciendo cosas jefes con los instrumentos convencionales, así que para todos ellos les recomiendo que primero le den una escuchada a Chain Of Flowers antes de lloriquear cual novatos.



36. Grimes - Art Angels (4AD): Es normal si después de escuchar el disco piensan que Claire Boucher ya no es la misma de antes, pero la realidad es que sigue siendo la misma de siempre. ¿Por qué? Porque aún con los caminos que está tomando y los cambios por los que pasó su sonido, ella sigue haciendo las cosas de forma honesta y esa es una razón suficiente para recibir con los brazos abiertos la visión que tiene para hacer música para ella misma. No importa si al igual que yo ustedes también prefieren el estilo etéreo y oscuro que dominaba a su corazón en el pasado, ya que al final esta transgresión era vital para ella debido a que finalmente está creciendo como artista, compositora y productora. "Art Angels" es estrictamente pop, pero es un pop muy bien pensado y diseñado para demostrar que es momento de eliminar los clichés que existen en torno al género para verlo desde un ángulo completamente distinto.



35. Wolf Eyes - I Am a Problem: Mind in Pieces (Third Man Records): No sé cómo fue que terminaron en Third Man Records, pero me alegra bastante que lo hayan hecho para incomodar a todos esos malditos que siguen teniendo a Jack White en un insignificante pedestal. Incluso, aún cuando esta producción podría ser considerada como su trabajo más 'accesible', su sonido sigue siendo bastante crudo y vale madre debido a la abundante suciedad que aparece justo por encima de los cavernosos riffs de las guitarras. De algún modo u otro esta es la imagen de lo que pasaría si Wolf Eyes fuera una banda de 'rock', pero al final su espíritu animal continúa colocándolos en los terrenos más respetables del noise y las cosas super cerdas a las que le han ido tirando desde su concepción. Y no es para menos, con más de 100 lanzamientos en su haber, ya era hora de que nos mostraran un rostro que se saliera de sus propios patrones.



34. Container - LP (Spectrum Spools): En lo personal me resulta muy interesante como en la actualidad muchos productores se han estado encargando de convertir al techno en punk. Quiero decir, ese sentimiento de rebelión y el poder contagiar a más personas con su ambición para incitarlos a crear sus propias expresiones de arte, se está viendo más reflejada en la densidad de un sintetizador, que en las cosas insípidas que se están concibiendo en el punk contemporáneo (o al menos en ese que suele aparecer en todos lados). Como sea, Container es uno de esos tipos brillantes que al igual que Pete Swanson o el mismo Helm, han incorporado elementos del género y el noise para hacer que el techno vaya adquiriendo un volumen mayor y se salga del estigma en el que estuvo metido durante más de dos décadas. "LP" es un disco rápido y bastante ácido, pero la fórmula que hay detrás de él es de suma importancia en nuestra era moderna; la existencia de Container es vital.



33. Majical Cloudz - Are You Alone? (Matador): No soy el tipo de persona que suela tener una fortaleza emocional que permita que despeje mi mente en un entorno de plena tranquilidad, sin tener la necesidad de expulsar varias lagrimas de mis ojos. Devon Welsh es una persona que ha logrado dominar sus emociones para convertirlas en canciones. Pero esas canciones no son las fáciles y génericas composiciones de amor que solemos encontrar en cualquier otro lado; no, lo que él hace es retratar una imagen atípica de lo que conocemos en una relación o de los mismos sentimientos humanos desde un punto de vista trágico y desolador. "Are You Alone?" es un álbum románticamente triste y, si me pongo un poco exquisito en cuanto a algunos segmentos líricos que existen en él, en canciones como "Silver Car Crash" se podrán dar cuenta de que Devon trató de concebir una versión renovada de lo que en algún momento fue "There's a Light That Never Goes Out".



32. Sunn O))) - Kannon (Southern Lord): Cuando anunciaron que sacarían este disco en diciembre, no pensé que fuera a tener una notable relevancia en mi corazón debido a que ya son tiempos en donde todo lo que aparece en las últimas semanas del año se va dejando para después. Sin embargo, es Sunn O))) y esa es una razón suficiente para cambiar de prioridades y sucumbir ante la devastación que existe en los únicos tres tracks que le dan vida a "Kannon". Sí, la atmósfera del disco es sumamente pesada y dominada por imponentes drones, pero en esta ocasión nos encontramos con juegos vocales que dejan al descubierto el lado más diabólico y demoledor de la banda. Ya saben, a veces Sunn O))) opera como un dúo, pero en "Kannon" tenemos acceso a contribuciones de Steve Moore, Oren Ambarchi, Rex Ritter, Attila Csihar y por supuesto, todo fue fríamente calculado por el jefazo Stephen O'Malley.



31. Them Are Us Too - Remain (Dais Records): En lo que va de la década se ha ido generando un nicho de bandas bastante emocionante en una de las áreas más alejadas de California, el cual suele refugiarse en lo pasional del lado oscuro de los 80 y la estética de ensueño que llegó a ser consolidada por bandas como Cocteau Twins. Esa magía está siendo explotada por esta dupla que se hace llamar Them Are Us Too, la cual sin complicaciones puede ser el holograma de lo que hubiera pasado si Liz Fraser y Robin Guthrie siguieran juntos. Pero esta es una nueva generación y lo justo no sería compararlos únicamente con ellos o con otros de sus antecesores, sino más bien es importante hacer énfasis en las genuinas emociones con las que están compuestas sus canciones y el amor que van dejando a su paso con canciones como "Eudaemonia". Este es un hermoso disco que debe de ser escuchado por cada uno de ustedes, en serio.



30. Empress Of - Me (Terrible Records): Si les soy sincero, no me interesa mucho cuando alguien decide venir a México y se queda para grabar un disco. Supongo que es algo importante, pero lo realmente atractivo es el poder tener acceso al resultado de su arduo trabajo en el estudio después de haber pasado de un proyecto a otro. Lorely hizo las cosas de maravilla y con "Me" deja en evidencia que no se necesita tener una banda de más de cinco integrantes para crear un álbum lleno de gloria (aunque en vivo sí tiene a varios músicos acompañándola). Todos los instrumentos los fue grabando ella para producir un adictivo synth-pop que poco a poco se va convirtiendo en una escultura de arte como su impresionante "Water Water"; canción que va aumentando de volumen hasta explotar por completo entre sampleos vocales que se ligan de lleno con "How Do You Do It". Dígamos que este es uno de esos debuts llenos de hits que pueden brillar sin hacer tanto alarde.



29. Destruction Unit - Negative Feedback Resistor (Sacred Bones): 15 segundos después de haber arrancado con un show en SXSW volaron una de las bocinas por la cantidad de ruido que se acumuló en el lugar. Destruction Unit son super badass y no les importa en absoluto si se no sienten cómodos escuchando cuatro guitarras al mismo tiempo con el volumen de su amplificador a su máxima potencia. El caos, la violencia y el poder que se vive en sus conciertos, está perfectamente plasmado en "Negative Feedback Resistor", ya que si bien cada una de las canciones parecen que están pensadas para hacer que el disco se sienta como una sola canción de media hora, la realidad es que lo que van dejando a su paso no es más que un frénetico punk que por alguna maldita razón continúa pasando desapercibido. Además, en Destruction Unit toca ni más ni menos que J.S Aurelius y Nappa; dos de los tipos que están poniendo muy en alto al sector experimental de Texas con el gang de Ascetic House.



28. Tame Impala - Currents (Interscope): La verdad estaba un poco asqueado por las alabanzas que recibió Kevin Parker cuando salió "Currents". Digo, casi casi lo ponían como todo un mesias y pues... no; tal vez lo que hizo con este disco para plantear los errores que cometemos al momento de estar en una relación son excelentes, pero de eso a quererlo poner como un poeta moderno... pues no y no. Como sea, el álbum expone las consistentes habilidades musicales que tiene cada uno de sus integrantes, ya que más allá de seguir reciclando la fórmula de sus discos pasados, en esta ocasión jugaron un poquito más con ellas para incorporar sintetizadores y efectos vocales con los que pudiéramos ver el potencial que tienen para hacer canciones bailables, y no nada más para mover el cuello con 10 canciones que suenen como "Elephant". Ya saben, es un disco que narra ese bonito círculo vicioso por el que atravezamos al momento de estar en una relación, las perdidas, los erroes y lecciones que aprendemos a raíz de esos errores, las cuales al final terminan haciendo que los volvamos a cometer.



27. Arca -Mutant (Mute): Uno ve los personajes que Alejandro Ghersi diseña con Jesse Kanda y es un poco complicado pensar que son figuras ficticias. Desde Xen, las entidades plasticas que se manifiestan en los vídeos de Arca tienen una similitud directa con su figura física, lo cual fortalece de forma directa su impulso hedonista y la fuerte carga sexual que lleva en sus venas. En drogas, uno podría pensar que es como el Prince del futuro debido a su mística personalidad, pero eso ya sería entrar en un debate que no tiene nada qué ver con los túneles futuristas que fue construyendo en "Mutant". El álbum es muy complejo y aún sin llegar a la mitad, sus oídos ya tienen la libertad de escuchar los ensambles sonoros más sólidos que ha construido Arca en su carrera. El desorientado pánico de las sirenas de "Sinner" y la ansiedad que se vive en "Soichiro" son suficientes para comenzar a venerar a este venezolano que, a estas alturas del partido, ya tiene el nombre suficiente para convertir en magia todo lo que toque.



26. Loke Rahbek & Puce Mary – The Female Form (Posh Isolation): LR y Frederikke Hoffmeier han estado colaborando durante varios años y si no me equivoco, esto comenzó a darse después de la concepción de Posh Isolation. Su primer disco juntos llegó en 2011 con el nombre de "The Closed Room", el cual fue el inicio de una trilogía con la que quieren explorar cada parte del cuerpo humano, sus conflictos, estigmas y los comportamientos sociales que se derivan de ellos. "The Female Form" es la segunda entrega dentro de esta odisea repleta de catársis y fantasias sexuales que van narrando de forma directa el placer que se desprende de nuestro ser. La relación que se desarrolla entre los sexos en la íntimidad es el principal motor de esta producción con la que ambos continúan estimulando sus propios impulsos para crear puentes prolongados de noise. "The Female Form" es un maravilloso trabajo que solamente vino a despertar mi curiosidad sobre lo que estará apareciendo en su capítulo final.



25. Drab Majesty - Careless (Dais Records):  Deb Demure es un freak. En serio, es uno de los tipos más obsesionados con los rituales, lo oculto y el expresionismo artístico que he conocido. Sin embargo, todo eso puede que pase un poco desapercibido al momento de escuchar "The Foyer", su reciente álbum como Drab Majesty, ya que en él se enfocó en revivir los tonos luminosos del new wave y la tendencia ochentera más accesible que hizo que algunas bandas de post-punk terminaran sonando en clubes como si se trataran de un One Hit Wonder al estilo de A Flock Of Seagulls. Pero no crean que Drab Majesty va para allá, ya que el tipo es un loco visionario que está utilizando esta estética visual y auditiva para crear universos subliminales con los que podamos formar parte de su culto existencial. Solo pónganse un poco de maquillaje en el rostro, ropa negra, una peluca y contemplen su belleza.



24. U.S Girls - Half Free (4AD): Meg Remy siempre ha tratado de moverse de formas muy románticas para crear su propio refrito de lo que en su momento fueron figuras como Dusty Springfield. Lo interesante aquí es que no lo está haciendo de un modo en el que se perciba como un simple copy-paste del pasado como ese intento fallido llamado She & Him, ya que en su interior existe una peculiar obsesión por el avant-garde y la música experimental, cosa que la fue llevando a crear este maravilloso álbum titulado "Half Free". En él hay sampleos, conversaciones teléfonicas y una nostalgia muy peculiar con la que hace que las voces del pasado suenen más fuerte nuestro presente. Además, este es otro excelente ejemplo de la madurez por la que debe de atravezar un artista, ya que la estructura general de las canciones es completamente distinta a las tonalidades lo-fi de sus primeras grabaciones.



23. Björk - Vulnicura (One Little Indian): Entiendo que todo el mundo estuviera extasiado con el trabajo de Arca en "Vulnicura", pero también es sumamente importante enfocarnos en el tremendo trabajo que hizo The Haxan Cloak. Ambos productores le pusieron su propio estilo al álbum para crear segmentos clave donde los arreglos orquestales tuvieron la libertad de mostrar un perfil mucho más pulcro y envolvente. Esas tonalidades suelen embonar sin complicaciones con las cuerdas vocales de Björk que, con el paso de los años, se han ido fortaleciendo cada vez más. Después de todo el asunto de "Biophilia" y los sentimientos encontrados que comencé a tener con su trabajo, me da la impresión de que "Vulnicura" es como un renacimiento para Björk; uno en donde nos está abriendo las puertas de una faceta dominada por la madurez, ambición y su deseo por arropar a artistas mucho más jóvenes para que comiencen a recibir la atención que se merecen.



22. Viet Cong - Viet Cong (Jagjaguwar): A veces no quiero juzgar mal a las personas que dicen que este disco suena mejor que Women. Sí, es una estupidez, pero tampoco es como que todo el mundo les hubiera dado la misma atención que a Viet Cong. El álbum tiene secciones rítmicas impecables dominadas por acordes fuertes y una batería que no se anda con rodeos al momento de elevar la potencia de las vocales. Por ahí aparecen algunos linajes de sintetizador y loops electrónicos que bien pudieron haber aparecido en una obra maestra del kraut de los 70. Verán, no sé qué vaya a suceder con Viet Cong en el futuro, pero lo que lograron con este debut debe de aplaudirse de pie. Y... ya que andan por aquí, les recomiendo ampliamente que le den una buena escuchada a los discos de Women para que finalmente caigan en la realidad de las cosas y vean que no hay punto de comparación. Serán las mismas personas, pero son mundos diferentes.



21. Helena Hauff - Discreet Desires (Werkdiscs): En los últimos tres años se fue solidificando un imperio aparte en el mundo del techno, el cual está extrayendo desde la vena más profunda del coldwave sus formas más gélidas y oscuras para complementar sus monocromáticas vibraciones. La alemana Helena Hauff es el ejemplo perfecto de esto que les estoy diciendo, principalmente porque cada uno de sus lanzamientos tienen una densa orientación hacía el lado más bailable del techno, mientras que en "Discreet Desires" optó por crear un balance entre ambos géneros para experimentar un poco con el embrujo de sus cuerdas vocales y un estilo sonoro mucho más sintético. Honestamente prefiero más este lado de Helena Hauff, pero con ello no quiero quitarle mérito alguno al impecable trabajo que está haciendo como DJ y productora. Es más, digamos que si algún día Veronica Vasicka decide cederle el trono a alguien, esta chica sería la indicada para ocuparlo.



20. Deafheaven - New Bermuda (Anti-): Ok, aquí estoy una vez más hablando de una de las bandas que generan más sentimientos encontrados en los necios corazones de los puristas del metal en general. Sí, Deafheaven no es black metal y probablemente tampoco están siendo los creadores de algo nuevo, pero esa no es razón alguna para menospreciar la increíble ambición que tuvieron para tomar el lado más violento y desgarrador del género para fundirlo con el shoegaze y el post-rock. El choque entre esos estilos dio como resultado un inspirador álbum bautizado como "Sunbather", el cual ahora cuenta con un sucesor que expone una personalidad mucho más establecida y aclara las aspiraciones que tienen como banda. Haciendo a un lado las siempre desgarradoras vocales, "New Bermuda" tiene episodios despiadados y segmentos instrumentales que son simplemente épicos.



19. Circuit Des Yeux - In Plain Speech (Sargent House): La cautivadora música de Haley Fohr pone a prueba nuestra propia perspectiva sobre la existencia humana, la religión y las cosas que suelen formar parte de nuestro día a día. Inicialmente Circuit Des Yeux tenía un enfoque apegado a lado más oscuro del folk y los complementos etéreos que de algún modo limitaban el poder de su voz. Afortunadamente en "In Plain Speech" se rodeó de músicos excelentes para componer piezas musicales que se asemejan a una pintura de arte barroco. El álbum es magistral y está pensado para maravillar a todo aquel que sienta la necesidad de vivir nuevas experiencias que lo orillen a tener una perspectiva diferente de sí mismos. Al final, de eso se trata la vida y si no buscan algo que los ayude a reinventarse, entonces están perdiendo su tiempo. Plus, "In Plain Speech" es un álbum que seguramente terminará influyendo a otros músicos en el futuro.



18. Damien Dubrovnik - Vegas Fountain (ALTER Stock): Esta es la segunda aparición de Loke Rahbek en este listado, pero ahora  lo hace en compañía de Christian Stadsgaard; otra de las bestias que se encargaron de fundar hace poco más de cinco años Posh Isolation. Lo realmente emocionante de su nuevo álbum como Damien Dubrovnik, es que la dupla se encargó de pulir a la perfección el noise y los tonos industriales de sus primeros experimentos para fortalecer la imponente imagen que han construido de sí mismos durante sus confrontadores shows en vivo. Hay sampleos de risas desquiciadas, la desgarradora voz de Loke viajando a través de drones y sonidos que parecen ser emitidos desde lo más profundo de una fábrica abandonada. La magia de Damien Dubrovnik radica en su espíritu y en su necesidad por brindar experiencias en donde nuestro pensamiento termine siendo sometido a una meditativa sesión repleta de pura suciedad.



17. Panda Bear - Panda Bear Meets The Grim Reaper (Domino Records): Cuando ya se tiene una familia y las prioridades comienzan a cambiar para tratar de darles lo mejor, de algún modo u otro termina siendo un arma de doble filo. En el caso de Noah Lennox, es un arma que ha aprendido a dominar para darle distintos usos al momento de crear sonidos inspirados por sus experiencias personales y las conversaciones que ha ido entablando con su hijo. Esos escenarios fueron retratados de forma maravillosa en este material que constantemente va dejando en evidencia la vulnerabilidad de Panda Bear, cosa que en sus anteriores lanzamientos se veía un tanto opacada por los efectos, la experimentación y la tendencia lo-fi que solía abundar en la atmósfera de sus canciones. En "Panda Bear Meets The Grim Reaper" nos encontramos directamente con ideales definidos que disipan por completo sus temores para mostrar una idea más clara de la vida.



16. Deerhunter - Fading Frontier (4AD): Muchas veces me estuve preguntando por qué las personas tenían en un enorme pedestal a Bradford Cox y compañía. La verdad nunca lo he entendido debido a que si bien sus discos son excelentes, me da la impresión de que no hay algo más allá de ellos. Sin embargo, en "Fading Frontier" existe una imagen en la que Deerhunter comienza a utilizar una instrumentación mucho más exquisita para componer canciones que tiendan a ser himnos de una generación en desarrollo. Tal vez no todo en el álbum tiene el mismo volumen sonoro que "Snakeskin", pero esa es la virtud que tiene "Fading Frontier" para darnos un paseo a través de arreglos que, a menos de un minuto de haber pasado por nuestros oídos, sean capaces de dejarnos un dulce sabor de boca.



15. Joanna Newsom - Divers (Drag City): Este es su primer disco en 5 años y honestamente no pensé que fuera a volver con una fuerza musical que terminara robando mi corazón desde el primer instante. Es tanta su belleza que llega un momento en el que parece que "Divers" es un álbum de Kate Bush y eso, queridos lectores, basta para convertirlo en un lanzamiento esencial de los últimos doce meses... y de lo que va de la década. Las canciones son hermosas y tienden a tener una fuerte carga de emociones con las que podemos ser los confidentes de una historia de amor que se va presentando en el Otoño. Sé perfectamente que no todas las personas ---al menos en nuestro país--- suelen emocionarse por un álbum de Joanna Newsom, pero les pido que le abran su corazón a este material cargado de una sutil elegancia, clase y estilo.



14. V/A - I Can't Give You The Life You Want (Blackest Ever Black): No estaba tan seguro sobre sí realmente debía de incluir un compilado en la lista, pero al final me parece que está completamente justificado si nos basamos en que es un recorrido a través de la historia de Blackest Ever Black. Es una romántica intrducción a su misterioso mundo con algunas de las mejores canciones de los proyectos que le dan vida a su catálogo. Naturalmente uno de los puntos a destacar de él, es ni más ni menos que "I Woke Up And The Storm Was Over" de Tropic Of Cancer, ya que en ella Camella Lobo nos da una muestra de los envolventes sonidos que estuvo construyendo en los últimos dos años en el estudio y de lo que está por venir en 2016. Es una obra maestra que termina depositando nuestra mente en piezas de Tarcar, Bremen, Dalhous, 500 Stamps, Infrastructure Zero, Exploring Jezebel, Cut Hands, Secret Boyfriend, Traquin Manek y Barnett + Coloccia. Con esa alineación, no se puede dejar fuera a este impecable compilado de BEB.



13. Sufjan Stevens - Carrie & Lowell (Asthmatic Kitty): Cuando alguien decide hacer un disco o una canción basada en la relación de sus padres, las probabilidades de que eso sea un fiasco son extremadamente limitadas. El valor paterno siempre le dará un plus mayor a toda aquella expresión de arte que sea capaz de emitir un sentimiento. Eso, de la mano del poderío emocional de Sufjan Stevens, naturalmente iba hacer que tuvieramos en nuestras manos uno de los discos más poderosos y conmovedores que han aparecido en un muy buen rato. Carrie & Lowell no es uno de esos discos diseñados para compartir experiencias en masa, sino más bien es una narrativa extrictamente personal de Sufjan Stevens para liberar esas emociones que se fueron acumulando en su corazón desde que se fue desarrollando en la niñez. Las canciones son tristes, sí, pero ese estilo hace que su estilo de composición sea mostrado en su forma más impresionante.



12. Beach House - Depression Cherry (Sub Pop): Si de sentimientos hablamos y de cosas que sirvan como una declaratoria de amor entre dos extraños, Beach House se pintan solos. Este año sacaron dos álbumes de larga duración, pero el que definitivamente terminó metiéndose dentro de mi ser desde el primer momento fue "Depression Cherry". Tal vez es muy fácil decir esto basándonos en el títlulo del disco, pero en 2015 la dupla le puso un color y un nuevo significado a eso que conocemos como depresión. Es el lado hermoso de esa sensación que por lo regular suele hundirnos en abismos traicioneros que pueden hacer que terminemos con nuestra propia vida. Ironía, tal vez, pero en "Depression Cherry" no hay algo que haga que nuestro corazón se deje llevar por malos pensamientos, sino todo lo contrario, ya que con la sutil belleza de canciones como "Space Song" nuestra mente puede irse volando a través de nubes repletas de pasión y amor.



11. Lower Dens - Escape From Evil (Ribbon Music): Este año Jana Hunter y compañía corrieron con la misma suerte que Future Islands el año pasado, con la excepción de que Lower Dens se mantuvieron fieles a sus propios ideales y no diseñaron una canción con la estructura para convertirse en un himno del verano. Y aunque eso pueda sonar un poco mal, la realidad es que también es una virtud debido a que no son el tipo de banda que entregan solo algunas canciones buenas en sus discos, sino que siguen siendo uno de esos ensambles que brinda experiencias completas dentro de ellos. "Escape From Evil" es exquisito de principio a fin y se apega a una línea instrumental que termina sirviendo en charola de plata el contundente mensaje político y social de Jana Hunter. Su voz es una de las más hermosas que han aparecido en lo que va de la década, así que espero que después de "Escape From Evil" comiencen a recibir la enorme atención que se merecen.



10. Marie Davidson - Un Autre Voyage (Holodeck Records): Piensen en uno de los mejores thrillers del cine de terror italiano que se han concebido en la historia, y pónganle como soundtrack los magnéticos synths de "Un Autre Voyage". Los escenarios de la cinta se tornarán mucho más oscuros y le darán un nuevo significado a eso que conocemos como giallo. Marie Davidson tiene una muy peculiar habilidad para emitir erotismo, seducción y terror en una misma canción, esto gracias a la hipnosis a la que nos sumerge por medio de la clase que tiene para manipular un equipo análogo y su camuflajeante acento francés, aún siendo canadiense. Así como hay canciones que se prestan para tirar oscuridad en la pista de baile como "Balade aux USA", también existen pasajes goth en donde se manifiesta un imponente escalofrío auditivo en "Kidnap You In The Desert" y "Perséphone"; track en donde además aparece un trabajo vocal por parte de Pierre Guerineau.



9. Holly Herndon - Platform (4AD): Ella... ¡Vaya! Es un ser cuya belleza no tiene limites. Sus grandes ojos y su hermoso rostro no pueden pasar desapercibidos tan facilmente, solo que esa no es la parte realmente interesante dentro del imperio tecnológico que ha venido construyendo, ya que sus habilidades como productora van más allá de la creación de un simple beat o de una sección rítmica que nos insite a mover nuestras extremidades. Su ambición por compartir con el mundo la relación que ha desarrollado con su computadora la fue llevando a crear experimentos sonoros que van del noise y el techno, hasta el synth-pop. De eso se trata "Platform", de ver nuestro propio reflejo en el vinculo emocional que tiene con su computadora a través de los subliminales sampleos que utilizó en algunas canciones de sonidos de aplicaciones como Skype o Youtube, principalmente después de observar el comportamiento que tiene la humanidad con la tecnología y las nuevas vías de comunicación.



8. The Soft Moon - Deeper (Captured Tracks): Es muy emocionante ver cómo una persona tan solitaria como Luis Vasquez es capaz de atar todos los cabos sueltos de su tristeza para crear un álbum como "Deeper". En su tercer álbum de larga duración existe una notable reinvención de lo que hasta hace apenas unos años se consideraba como un 'revival' goth del post-punk y el coldwave. En esta producción, The Soft Moon  terminó por consolidarse como uno de los proyectos más atractivos y mejor diseñados dentro de estos terrenos que tienden a ser muy caprichosos. Además, en canciones como "Black", "Far" y "Try" realmente podemos escuchar lo que trata de decirnos Vaquez a través de sus letras, cosa que en el pasado era un poco opacado por el característico embrujo vocal con el que terminaba sofocando nuestro interior. "Deeper" es su mejor álbum hasta el momento y en definitiva se está perfilando para ser un indudable clásico de nuestra era.



7. Chelsea Wolfe - Abyss (Sargent House): Con cada disco Chelsea Wolfe ha ido elevando el volumen de su sonido para alcanzar niveles que probablemente ni ella misma se imaginó cuando lanzó "The Grime And The Glow". La granosa distorsión de su debut se esclareció por completo para entregarnos volcánicos riffs de guitarra que, con su oscuridad natural, se encarga de proyectar una imagen en la que podemos ver nuestro cuerpo cayendo en un abismo sin salida. "Abyss" no solo tiene varias de las mejores canciones que nos ha presentado hasta el momento, sino que también fortalece su instinto animal para reclamar el trono de reina goth que vino a tomar con la aparición de "Pain Is Beauty". Esta producción es fuerte y manejada con mucha cautela, ya que si bien existen momentos sumamente poderosos como "Carrion Flowers" y "Iron Moon", el álbum cuenta con piezas que van recorriendo terrenos acústicos que crecen y crecen hasta demoler todo lo que está a su alcance de un solo madrazo como "Survive" y "Color Of Blood". A estas alturas del partido, Chelsea Wolfe no puede hacer nada mal.



6. Tamaryn - Cranekiss (Mexican Summer): Cuando escuché "Hands All Over Me" no sabía qué demonios pensar sobre los cambios por los que atravesó Tamaryn desde la salida de Rex. Sin embargo, poco a poco se comenzó a gestar un sentimiento que me hizo pensar que éste sería el resultado de la colaboración entre My Bloody Valentine y Madonna, lo cual obviamente es algo estúpidamente bueno. Pero más allá de mal viajes, esta es la cara que quería mostrar desde el inicio de su carrera, así que tiene sentido que poco a poco se haya ido alejando de las sombras para pisar los terrenos del shoegaze que, de forma inevitable, la fueron llevando a jugar con elementos electrónicos que hicieran que su sonido se tornara aún más especial. El singular estilo de Shaun Durkan de Weekend le vino de maravilla a la estética de Tamaryn y con ello solamente está fortaleciendo su idea de ser esa figura que todos quieren tener en un póster bajo el pensamiento de 'cuando sea grande quiero ser como Robert Smith'. "Cranekiss" es un disco hermoso que con el paso de los años irá adquiriendo el valor de un clásico.



5. Jenny Hval - Apocalypse, girl (Sacred Bones): Desde hace algunos años le había estado siguiendo la pista a esta noruega de un modo muy discreto, ya que tenía la sensación de que en un abrir y cerrar de ojos estaría entregando una producción que viniera a alterar el orden de las cosas. Y sí, con "Apocalypse, girl" vino a darle un giro a la forma en la que se suelen abordar temas como el feminismo, la religión y la sexualidad, para tropicalizar un poco sus estigmas y hacernos ver la realidad en la que seguimos parados en pleno Siglo XXI. Las letras son confrontadoras y francamente dudo mucho que exista una persona que pueda comprenderlas a la perfección, principalmente porque desde su debut ha estado construyendo su propio lenguaje. Jenny Hval es algo sumamente especial, así como puede brindarnos momentos hermosos, de la nada puede sumergirnos en una catarsis en la que simplemente se burle de nuestros complejos existenciales. Además, en este álbum tuvo como colaboradores a músicos de la talla de Thor Harris de Swans y Okkyung Lee.



4. Prurient - Frozen Niagara Falls (Profound Lore): Dominick Fernow es una mente indescifrable y después de haber estado parado frente a él, no me quedó ni la menor duda de que es una de las personas cuya ambición no tiene ningún tipo de limitación. Al contrario, Fernow toma lo que ve en las noticias o lo que suceda a su alrededor para buscar la manera de adaptar su lado trágico y devastador en estos poderosos experimentos musicales que no suelen ser nada accesibles. ¡Por favor! Es noise y como el mismo lo menciona 'el noise no está pensado para ser algo agradable o bonito'. Hasta cierto punto eso puede parecer irónico si le ponemos atención a las melodías y los pasajes ambientales que hay en "Frozen Niagara Falls", los cuales van dibujando una podrida desolación dentro de un entorno sumamente hermoso. Naturalmente, siendo un disco doble no hace falta mencionar la terrible catarsis que se manifiesta justo cuando Fernow comienza a desgarrarse la garganta. Por otro lado, es muy importante hacer mención de los elementos que había estado evitando en el pasado y que en esta ocasión sirvieron para darle una mayor solidez a sus composiciones como el caso de la batería, la guitarra acústica y hasta un drum machine que no solo es destruido en la segunda mitad del álbum.



3. Oneohtrix Point Never - Garden Of Delete (Warp Records): "Stickly Drama" es la mejor canción de nu metal que se haya hecho en la historia. Este es el disco de nu metal de Daniel Lopatin y sí piensan que me la estoy mamando al decir eso, pues entonces dirán que él se la está mamando debido a que desde un inicio quiso componer este álbum bajo esos ideales. Pero ya saben, con OPN nunca se sabe y aunque en estos momentos estemos en extasis con el contenido de "Garden Of Delete", lo más probable es que a Lopatin ya ni le interese lo que hizo por estar pensando en lo que estará presentando en su siguiente lanzamiento. Esa es una de las virtudes que tiene su universo, ya que siempre debemos de estar preparados para lo inesperado en cada uno de sus discos. No son nada predecibles y esta producción es el más claro ejemplo de ello. Solo basta ver cómo va del R&B y el EDM al industrial y el metal en una sola canción. Oneohtrix Point Never es el futuro, no hay más.



2. Jamie xx - In Colour (Young Turks): Cuando ví que Romy Madley Croft y Oliver Sim tendrían puestos especiales en el debut de Jamie xx, me dio la impresión de que solamente tendríamos un álbum más de The xx. Pero no fue así, estaba en un terrible error, el resultado final de esta producción no es más que un ejemplo de la clase y la finura que debe de tener la música electrónica y que en años recientes parece haberse perdido. El trabajo que hizo Jamie xx es impecable. "In Colour" es un álbum exquisito y pocos tienen la virtud de hacer un disco que sea completamente redondo. Desde los primeros minutos de "Gosh" hasta el agonizante contoneo de "Girl", el álbum nos va dando un recorrido a través de melodías completamente hermosas como las de "Sleep Sound", "SeeSaw" y "Obvs", sin mencionar que fue el autor de varios de los mejores sencillos del verano: "Loud Places" y "I Know There's Gonna Be (Good Times)". Verán, no es por nada pero todos aquellos productores que comienzan a abrise paso dentro de estos terrenos deben de tomar a Jamie xx como ejemplo.



1. Julia Holter - Have You In My Wilderness (Domino Records): Luego de un extenso scroll que seguramente terminó alentando su computadora, me complace compartir con ustedes el puesto #1 de este humilde listado con los mejores discos del año... según yo, según MBC. ¿Pero por qué Julia Holter? La pregunta es obligada, pero la respuesta no la van a encontrar en mis palabras o en las de otra persona, sino en cada una de las piezas que le dan vida a este maravilloso álbum en el que Julia Holter no sólo utiliza sus cuerdas vocales para transmitir un sentimiento, sino también su corazón. Las canciones podrán sonar simples, pero los arreglos orquestales se encargan de inyectarle una sutil elegancia que fortalece por completo el romance de canciones como "Feel You". La parte interesante del disco, es que ella no se encargó de componer una narrativa existencial sobre el amor, sino los escenarios trágicos y oscuros que muchas veces suelen entorpecer una relación cuando se encuentra en su punto más fuerte. "Have You In My Wilderness" es uno de esos discos que se convierten en confidentes del suspiro de media noche; ese que los hace pensar en la persona que desearían que estuviera a su lado mientras repite una y otra vez 'What did I do to make you feel so bad? / What did I do that you would make me feel so bad?' en "Night Song". El disco es como una obra de teatro que nos mantiene al filo de nuestro lugar con el dramatismo que se vive en su obra maestra, "Betsy On The Roof", en la cual claramente podemos visualizar a Julia Holter tirada en el piso mientras grita con todas sus fuerzas 'Looking out, won't you please tell me the answer'. No sé qué más decir, es un álbum bañado de pasión, de honestidad y sensaciones que se adhieren al cuerpo para arrancarnos una lágrima. Es un ejemplo de crecimiento, de madurez y del cómo se deben de hacer las cosas: con el corazón.